FACTORES DE PRODUCCIÓN

FACTORES DE PRODUCCIÓN APLICADOS A UNA FÁBRICA DE PRODUCTOS HORTOFRUTÍCOLAS

En este artículo vamos a analizar los factores de producción de una fábrica de producción y envasado de productos hortofrutículas cualquiera.

La fábrica produce frutas y hortalizas en fincas de su propiedad que posteriormente recolecta, envasa y vende al por mayor.

FACTORES DE PRODUCCIÓN:

-Recursos naturales: la empresa cuenta con una finca de 100.000 hectáreas y un  pozo del cual se saca el agua para el riego. Se utiliza energía eléctrica para hacer funcionar la maquinaria de la fábrica.

-Capital: la empresa necesita capital financiero para poder comprar las semillas, los abonos, pagar los salarios de los trabajadores, pagar la electricidad y otros gastos. También necesita capital tecnológico, que sería la maquinaria necesaria para el envasado y el transporte de los productos. Necesita capital humano, que sería el personal que trabaja en la empresa. En cuanto al capital físico necesita vías de comunicación para poder distribuir los productos, además la fábrica es una propiedad inmobiliaria.

-Trabajo: lo constituye el esfuerzo de los trabajadores de la empresa.

De todos los factores citados anteriormente, los anclados al territorio son: la tierra, el agua, la electricidad, el capital físico y en cuanto al capital humano la fábrica no precisa de de trabajadores muy cualificados, puesto que únicamente van a envasar fruta y verdura y a recolectarla; en cuanto a los factores móviles son: el capital financiero porque en cualquier parte del mundo se puede solicitar ayuda financiera, el capital tecnológico por el mismo motivo que el anterior y el capital humano, ya que los trabajadores pueden trasladarse de un lugar a otro.

Los factores que más condicionan la empresa son:

-El precio de los recursos naturales, en especial la energía y los abonos.

-El capital humano, la empresa tiene que abrirse en un  lugar que cuente con suficientes personas que puedan trabajar y que tengan el nivel de cualificación que se precisa para el puesto.

-El capital físico, si no hay buenas vía de comunicación resultará muy difícil distribuir los productos.

-Capital tecnológico, si la empresa cuenta con máquinas tecnológicamente avanzadas producirá con más calidad y más rapidez.

-Un último factor que condicionará la producción será el precio de mercado, cuanto más alto sea el precio de venta del producto más beneficios para la empresa.

COMENTARIO DE UN MAPA ANAMÓRFICO

COMENTARIO DE UN MAPA ANAMÓRFICO

En este mapa que vemos aquí observamos que el mayor índice de concentración económica se encuentra en Norteamérica, Europa y países de Asia como Rusia, China, La India y Japón, sin embargo el IDH en países como China, La India, Rusia y México nos indica que el desarrollo de estos no está en consonancia con la riqueza que generan, queda mucho por hacer para mejorar el nivel de vida de las personas que viven en ellos. También se observa que tanto Estados Unidos, Europa y Japón son las zonas más desarrolladas, ricas y óptimas para vivir. Llama igualmente la atención África, que a pesar de ser un continente enorme en cuanto a superficie, vemos que su tamaño obtenido a partir de la visión del PIB es verdaderamente pequeño, además cabe destacar el IDH de este, que queda muy por debajo de cualquier país bien desarrollado.

Todo esto tiene mucho que ver con la geografía, es decir, la distancia a la que se encuentran estos lugares de las grandes redes de comunicación y transporte, si tienen o no recursos naturales, su clima y su relieve. Si volvemos al caso de Estados Unidos o Europa, nos damos cuenta de que en ellos se encuentran grandes redes de comunicación y transporte internacionales, que sus climas no son excesivamente extremos, no son países enteramente montañosos y tienen gran cantidad de recursos naturales, sin embargo, el continente africano o ciertos países de Asia y América latina, están distanciados de las principales redes de comunicación y transporte internacionales, tienen pocos recursos naturales o no tienen la maquinaria o el avance necesario para aprovecharlos y algunas zonas de estos tienen climas extremos y grandes sistemas montañosos. Además también influyen el turismo, la mayoría de las personas se mueve por Norteamérica, Europa y los países desarrollados de Asia que no están en guerra, esto también hace que los lugares se desarrollen.

PIB----- Producto Interior Bruto

IDH-----Índice de Desarrollo Humano 

PINTURA RENACENTISTA ITALIANA

PINTURA RENACENTISTA ITALIANA

-La pintura renacentista italiana se desarrolla a lo largo de los siglos XV y XVI, partiendo de la pintura del Treccento, y lo hace junto con la escultura y la arquitectura. La cuna de este desarrollo es Florencia.

-Se considera a Giotto, pintor, escultor y arquitecto italiano cuya temática eran la  religión cristiana, y su escuela florentina el punto de partida para el desarrollo del Renacimiento en la pintura.

 -Hay varias tendencias:

• La tendencia goticista que es muy parecida al estilo anterior, el Treccento.
• La corriente de movimiento, que destaca por un grandísimo número de artistas por el estudio del espacio y el volumen.
• La corriente narrativa-descriptiva, con gran interés por el clasicismo grecorromano y desarrolla la pintura profana con mayor interés que la basada en la religión cristiana.

-Los materiales que utiliza este estilo son témpera, óleo y pastel, que son colores muy claros, y el soporte de la pintura es o bien madera o lienzo en la pintura exenta. En la pintura mural utilizan principalmente pastel y témpera.

-Las características principales del Renacimiento son:

1. Combina la temática cristiana, pagana y profana.
2. Muestra interés por el hombre también desde el punto físico, por ello los artistas estudian la anatomía.
3. El eje central de la pintura siempre girará en torno al ser humano.
4. Se desarrolla la perspectiva lineal.
5. Los claro-oscuros forman parte del espacio y se convierten en la directriz de la composición.
6. No quedan figuras cortadas en los bordes de la pintura.
7. Utilizan el número de oro (1'618) al que se ajustan cuadros y figuras, ya pertenezcan a la escultura o a la arquitectura.
8. Se representa de forma realista y en muchas ocasiones se prefiere la realidad para conseguir belleza y proporción.
9. Cada figura es individual, lo cual quiere decir que si quitas del cuadro una figura sigue teniendo sentido, siempre y cuando no sea el tema principal y todo gire alrededor de esta.
10. La ambientación cobra importancia en exteriores e interiores.
11. Dentro de la temática profana encontramos aspectos religiosos, mitológicos, retratos...

BIOGRAFÍA DE SANDRO BOTTICELLI Y OBRAS PRINCIPALES

BIOGRAFÍA DE SANDRO BOTTICELLI

Sandro Botticelli fue un pintor del Renacimiento italiano, concretamente del Quattrocento.

Nació el 1 de marzo de 1445 en Florencia en el seno de una familia humilde de artesanos.
Fue discípulo de Fray Filippo Lippi, también trabajó con el pintor y grabador Antonio del Pollaiuolo, de quien aprendió el dominio de la línea, además recibió gran influencia de Andrea del Verrocchio. 

En 1470 tenía su propio taller y se convirtió en el maestro del hijo de Filippo.

Dedicó casi toda su vida a los retratos, entre los que destacan: Retrato de Giuliano de Medici.
En sus cuadros se ve la influencia del neoplatonismo cristiano, estilo que pretendía conciliar las ideas cristianas con las clásicas, esto se observa en La primavera y en El nacimiento de Venus. Estas dos obras para una de las villas de la familia Medici.

Pintó también temas religiosos, principalmente tablas de vírgenes, destacando La Virgen escribiendo el Magnificat, La Virgen de la granada, La coronación de la Virgen y Virgen con el niño y dos santos. 
Entre otras obras religiosas destacan San Sebastián y un fresco sobre San Agustín. El fresco es una pintura que se hace con colores disueltos en agua, sobre una superficie hímeda, en la pared o en el techo.

En 1481 fue llamado a Roma para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina del Vaticano, construida entre los años 1475 y 1481por orden del Papa Sixto IV, donde pintó los frescos de Las pruebas de Moisés, El castigo los rebeldes y La tentación de Cristo.
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En la década de 1490, tras la expulsión de los Medici de Florencia y cuando el monje dominico Girolamo Savonarola predicaba la austeridad y la Reforma, sufrió una crisis religiosa que provocó que sus cuadros se volvieran muy religiosos y perdieran parte de la belleza con la que pintaba.
A pesar de esto no abandonó la ciudad. 
(En 1494 Savonarola se hizo líder de la ciudad, estableciendo una República que abominaba, es decir, que odiaba, todo aquello que representaba a los Medici, como los cuadros pintados por Botticelli. Sandro era muy religioso y en sus últimos años se hizo seguidor de Savonarola, abandonando la pintura como una vanidad terrenal, así se siente la influencia del clima de crisis política y religiosa. En esta época destacan la obra de La calumnia de Apeles en la que se refleja la crisis de la República y las predicaciones de Savonarola, esta también es una composición más característica del pasado medieval).
En el año 1502 fue acusado ante la Uffiziali di Notte, institución donde los ciudadanos denunciaban crímenes reales o imaginarios, por un acto de sodomía, práctica del coito anal, con uno de sus ayudantes. 

Murió en Florencia el 17 de mayo de 1510.

Otras obras suyas a destacar son: La Piedad y sobre todo La Natividad mística y la Crucifixión mística.

Botticelli realizó entre 150 y 180 obras de temas religiosos, mitológicos, composiciones profanas, realizó también entre estas, retratos que no tenía en cuenta la belleza, la mística y la luminosidad.

Aquí os dejo las fotos de todas las obras nombradas.

1. Retrato de Giuliano Medici.
   
2. Adoración de los Magos.
   
   
3. La calumnia de Apeles.
   
   
4. El castigo de los rebeldes.
   
5. La coronación de la Virgen.
   
6. La Crucifixión mística.
   
7. La Piedad.
   
8. La primavera.
   
9. El nacimiento de Venus.
   
10. La Natividad mística.
    
11. Las pruebas de Moisés.
    
12. San Agustín.
    
13. San Sebastián.
    
14. La tentación de Cristo.
    
15. La Virgen de la granada.
    
16. Virgen escribiendo el Magnificat.
    
17. Virgen con el niño y dos santos.
    

LA PRIMAVERA DE SANDRO BOTTICELLI

LA PRIMAVERA DE BOTTICELLI

¡HOLA!, aquí os dejo un análisis de La primavera de Botticelli.

Esta obra, La primavera, fue pintada por Sandro Botticelli pintor renacentista italiano, del que ya hice anteriormente un artículo. Está realizado al temple de huevo sobre tabla. Mide 203 cm de alto y 314 cm de ancho y fue realizada en el año 1478. Pertenció a la familia de los Medici y actualmente se encuentra en el Museo de los Uffizi, en Florencia.

La escena es un bosque, concretamente el jardín Esperidi, formado por naranjos y frutales, en él se encuentran nueve personajes, esta composición gira en torno a Venus, la mujer del manto rojo, encima suyo aparece Cúpido, su hijo, como muestra del amor neoplatónico.

Esta obra presenta cultura humanística y neoplatónica, está situado fuera del tiempo real, se presenta como una fábula mitológica en la que se celebra una especie de rito pagano, por lo que se rompe con la pintura religiosa cristiana. Las figuras son de tamaño natural y la obra pone mucha atención en los detalles, la composición muestra una disposición simétrica, con una figura central (Venus) que parte la escena en dos mitades y marca el eje de simetría.

EL NACIMIENTO DE VENUS SANDRO BOTTICELLI

EL NACIMIENTO DE VENUS DE BOTTICELLI 

¡HOLA! Aquí os dejo el análisis de El nacimiento de Venus de Botticelli.

Esta obra que fue realizada por Botticelli entre los años 1482 y 1485, está pintada al temple sobre lienzo, técnica que permite trabajar el detallismo. Hoy en día se encuentra en el Museo de los Uffizi, en Florencia. 

Esta escena representa a Venus sobre  una concha que navega empujada por el viento que expulsa Zefiro, abrazado a Clori, el otro personaje es una de las hijas de Zeus que recibe a Venus dándole una manta tejida de flores.

Predomina la línea sobre el color, emplea una línea oscura que refuerza los contornos. La luz es cenital y representativa, destaca la zona central del cuadro pr la luminosidad, la zona derecha está más oscura. Utiliza tonos claros y suaves. El cuadro no tiene mucha perspectiva, aunque el mar y la vegetación consiguen dar esa sensación de profundidad dentro del cuadro.

LA PRIMERA VUELTA AL MUNDO

LA PRIMERA VUELTA AL MUNDO

El viaje se inicia el 20 de septiembre de 1519, en Cádiz y finaliza el 6 de septiembre de 1522, del viaje parten 5 naves (barcos) y 243 hombres, de los cuales regresan una nave y 18 supervivientes. Los dirigentes de esta expedición son Francisco de Magallanes, al principio, y luego Juan Sebastián Elcano, dos marineros portugueses al servicio de Castilla.

Las 5 naves son:

• Trinidad: transporta 55 hombres, de los cuales tan solo 20 salen con vida del cruce del Pacífico, ya que es abordada por los portugueses.
• Concepción: la queman porque falta tripulación que la haga navegar.
• Victoria: es la única que completa la expedición. (Quizás por el nombre)
• Santiago: naufraga en el río Santa Cruz, localizado en Argentina.
• San Antonio: transporta 60 hombres, antes de llegar al estrecho de Magallanes decide regresar al punto de partida. 

RUTA SEGUIDA POR LA EXPEDICIÓN:

  Francisco de Magallanes y Juan Sebastián Elcano partieron de Sanlúcar de Barrameda con el propósito de dar la vuelta al mundo. Desde Sanlúcar de Barrameda siguieron avanzando y pasaron por las Islas Canarias, situadas en el Océano Atlántico, atravesaron dicha masa de agua y llegaron a la Bahía Santa Lucía, conocida actualmente como la. Bahía de Río de Janeiro, siguieron y pasaron por la desembocadura del río de la Plata, antiguamente conocido como el río Solís. Atravesaron el puerto San Julián, el Estrecho de Magallanes, por aquella época el Estrecho de todos los Santos y el 28 de noviembre de 1520 llegan al Cabo Desseado, después de no encontrar tierra en 3 meses, por lo que les azotó una hambruna y el escorbuto, además el agua que llevaban estaba podrida. Luego cruzaron todo el Océano Pacífico y llegaron a las Islas Filipinas, en las cuales, concretamente en Cebú, murió Magallanes en el 27 de abril de 1521, intentando asegurar una alianza con un jefe indígena convertido al cristianismo proponiéndose así derrotar al enemigo de este, Lapulapu. Cuando llegaron a la playa de Mactán la marea estaba muy baja y no pudieron dejar los barcos cerca de la costa y además de esto habían caminado un kilómetro para recoger agua limpia, por lo que llegaron agotados a la batalla. Antes de bajar del barco, Magallanes, muy seguro de su victoria, les dijo a los otros capitanes que no se involucraran en la lucha, así perdió y murió con una lanza clavada en la pierna y más tarde lanceado por los 1000 hombres de Lapulapu, luego se lo comieron. Tras este acontecimiento, siguió solo Elcano, pasando por Palawan, Brunéi, Tidore, la isla de Ambón y Timor, cruzó todo el Océano Índico y pasó por el Cabo de Buena Esperanza el 19 de mayo de 1522, siguió hacia el norte por el Atlántico hasta el archipiélago de Cabo Verde, de nuevo pasó por las Islas Canarias y el 6 de septiembre de 1522 llegó a Sanlúcar de Barrameda, completando así la primera vuelta al mundo. 

LA GIOCONDA O MONA LISA DE LEONARDO DA VINCI

Este cuadro que está viendo es La Gioconda o Mona Lisa, fue pintado por Leonardo da Vinci en el año 1503, hoy en día se conserva en el museo del Louvre, París.

Fue pintado en el Renacimiento, un periodo artístico de la Edad Moderna del que ya le habrán hablado los guías.

Leonardo da Vinci, su creador, se dedicó, además de a artista, a un montón de profesiones más. Como pintor, que es lo que nos interesa a nosotros, fue el primero que utilizó la perspectiva en los colores y que consiguió reflejar la profundidad en sus obras.

Su técnica personal para la pintura es el sfumato, descrita por él mismo como “sin líneas o bordes, en forma de humo o más allá del primer plano”, sin ir más lejos usted mismo puede apreciar que esta definición es perfecta para la obra, ya que como está observando todo el paisaje, el pelo e incluso la cara de la chica están como difuminados o esfumándose, como el propio nombre de la técnica indica.

Si sigue fijándose, percibe que las manos y los ojos son un claro ejemplo del sfumato y de cómo el pintor juega con la luz y las sombras para dar ese volumen que está apreciando .

El paisaje que tiene detrás la joven puede ser una representación de lo que Leonardo vio en su viaje a los Alpes, además si se fija muy bien verá que la parte izquierda del paisaje es distinta a la derecha ya que en la forma de pintarlo se ve que no son semejantes. En el centro del paisaje del cuadro puede contemplar el puente de Gobbo.

La joven carece de cejas y pestañas, posiblemente por una restauración en siglos pasados. Sobre la cabeza lleva un velo, signo de que tiene gran cantidad de pelo y se cree que la modelo podría estar embarazada o haber salido recientemente de un parto. La mano derecha se pone sobre la izquierda, esto da una sensación de seriedad, seguro que usted ya lo ha podido percibir.

Una de las características principales del cuadro es la sonrisa de la chica, porque si la mira directamente da la sensación de que está sonriendo y cuando la vista la fija en otras partes del cuadro esta sonrisa da la sensación de desaparecer.

Seguro que usted sabe lo de que parece que la chica te está mirando se coloque donde se coloque.

Por último he de decirle que este cuadro ha sido robado y devuelto al museo del Louvre y que hay una réplica exacta, probablemente de su alumno, este la pintó a la vez que su maestro.

LA CREACIÓN DE ADÁN MIGUEL ÁNGEL BUONAROTTI

LA CREACIÓN DE ADÁN.

Esta obra que vemos aquí es la creación de adán, fue realizada por Miguel Ángel Buonarotti entre los años 1511 y 1515. Pertenece al estilo renacentista y mide 280*570 cm. Está pintado al fresco sobre una fina y rectangular lámina de yeso. Se encuentra en la Capilla Sixtina.

Para poder conocer esta obra en profundidad debemos analizar su época y su estilo.

Pertenece al Renacimiento, movimiento cultural y artístico surgido en Italia tras la difusión de las ideas del humanismo y luego asumido en otras zonas de Europa. Este estilo se basaba en los ideales de belleza y armonía de la Antigüedad clásica, sus esculturas y pinturas se preocuparon por el estudio de la anatomía humana y de la naturaleza. Dentro del Renacimiento se diferencian dos etapas, el Quattrocento y el Cinquecento, la obra pertenece a este último, que abarca el siglo XVI. Se trata de un periodo de madurez en el que los artistas demuestran un dominio de la perspectiva y la proporción, además en esta época rechazaron la mentalidad medieval que se centraba únicamente en Dios y consideraron al hombre como centro del universo, aunque seguían siendo muy religiosos, adquirieron una gran admiración por la Antigüedad clásica y un creciente interés por la ciencia, que dio lugar a un nuevo espíritu científico. estos son los principios del humanismo.

concretamente esta obra pertenece al clasicismo, época en la que en la pintura, la perspectiva y la proporción humana se plasmaron con maestría y  se investigaron otras técnicas basadas en el tratamiento de la luz y el color para ganar naturalismo.

La creación de Adán fue pintada por Miguel Ángel Buonarotti, pintor, escultor y arquitecto famoso de la época, aunque él se consideraba sobre todo escultor. Una de las cualidades de su pintura es la terribilitá, dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad de la mirada y el entusiasmo creativo. A Miguel Ángel se le daba muy bien representar la anatomía humana y la belleza perfecta.

Pasemos ahora al análisis de la obra.

La creación de Adán fue encargada por el papa Julio II, y forma parte de toda la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, construida entre los años 1475 y 1481 por orden del papa Sixto IV. La bóveda es una estructura de 40 m de largo x 13 m de ancho. Miguel Ángel reorganizó el espacio a su manera, trazando unos marcos arquitectónicos inexistentes colocando la Creación de Adán en el centro.

En la obra, Dios es representado como un hombre anciano y con barba envuelto en una túnica púrpura. Su brazo izquierdo está alrededor de una figura femenina interpretada como Eva. El brazo derecho de Dios se encuentra estirado para pasar la chispa de vida de su propio dedo al de Adán, sin embargo ambos dedos están separados por una mínima distancia.

La posición de Dios, que se encuentra flotando en el aire sostenido por ángeles, contrasta con la posición terrenal de Adán, que  se encuentra acostado sobre un estable triángulo de tierra. Adán presenta muy claramente la terribilitá de Miguel Ángel,  al igual que Dios. Esto se ve porque Adán parece un atleta en reposo, con una anatomía perfecta y un cuerpo muy musculado, y Dios tiene una mirada muy intensa. La nube en la que se encuentra Dios parece tener muchas turbulencias que han podido ser ocasionadas por su poder.

Esta obra representa un pasaje de la Biblia, concretamente del Génesis, que habla del momento en que Dios crea al hombre a su imagen y semejanza. Además una importante característica del Renacimiento que se ve en el cuadro es la cantidad de desnudos que aparecen.

Algunos consideran que las figuras y sombras que aparecen detrás de la figura de Dios son una representación perfecta del cerebro humano y otros creen que el manto púrpura tiene la forma del útero humano y que la bufanda verde que cuelga de Él, podría ser un cordón umbilical recién cortado.

Esta pintura es figurativa porque se pueden reconocer fácilmente todos los elementos que la componen. La obra se encuentra dividida claramente en dos partes, cuyos elementos principales son Adán que se encuentra a la izquierda visto desde frente y Dios situado en la derecha. Como punto central se encuentra el contacto de los dedos. Las manos de ambos son las más expresivas de toda la historia de la pintura, ambos dedos están separados por una mínima distancia, lo cual constituye un hecho famoso. La aplicación de tonos claros y oscuros le atribuyen un gran efecto plástico a la obra, con un diseño perfectamente delineado de los volúmenes. Las líneas compositivas son diagonales, dando a la escena un gran dinamismo. La gama de colores fríos actúa como un elemento sedante y apacible, ya que interfiere en en la luz distanciando los objetos. La perspectiva es una de las grandes conquistas de esta secuencia, ya que hay una perfecta captación tridimensional que logra con puntos de fuga y con una perfección nunca antes realizada.

La Creación de Adán ha marcado la mirada del hombre desde el momento en que se pintó hasta nuestros días. Esta imagen ha sido determinante en la formación del arte tal y como lo entendemos hoy. Esta obra ha sido objeto de representación en muchas series animadas. Esta obra ha sido y será siempre muy valorada.

EL ENTIERRO DEL CONDE DE ORGAZ EL GRECO

EL ENTIERRO DEL CONDE DE ORGAZ

Esta obra que vemos aquí es El entierro del conde de Orgaz, es un óleo sobre lienzo de 4,80 x 3,60 metros, pintado en estilo manierista por El Greco entre los años 1586 y 1588. Fue realizado para la parroquia de Santo Tomé de Toledo, España, y se encuentra conservado en este mismo lugar.
Para poder conocer esta obra debemos conocer su época y estilo. Pertenece al Renacimiento,movimiento cultural y artístico surgido en Italia tras la difusión de las ideas del humanismo y luego asumido en otras zonas de Europa. Este estilo se basaba en los ideales de belleza y armonía de la Antigüedad clásica, sus esculturas y pinturas se preocuparon por el estudio de la anatomía humana y de la naturaleza. Dentro del Renacimiento se diferencian dos etapas, el Quattrocento y el Cinquecento, la obra pertenece a este último, que abarca el siglo XVI. Se trata de un periodo de madurez en el que los artistas demuestran un dominio de la perspectiva y la proporción, además en esta época rechazaron la mentalidad medieval que se centraba únicamente en Dios y consideraron al hombre como centro del universo, aunque seguían siendo muy religiosos, adquirieron una gran admiración por la Antigüedad clásica y un creciente interés por la ciencia, que dio lugar a un nuevo espíritu científico. Estos son los principios del humanismo.
Concretamente esta obra pertenece al manierismo, estilo que surge tras la evolución política y religiosa que provocó el progresivo abandono de los planteamientos humanistas y del arte clásico desde el año 1530. Este estilo siguió utilizando las formas clásicas pero con un nuevo sentido, marcado por el colosalismo (obras alejadas de la proporción humana), la desproporción entre los elementos y por la búsqueda de la extrañeza en el espectador, el manierismo es un estilo de transición hacia el Barroco.
Fue pintada por El Greco, cuyo nombre real es Domenico Theotokópoulos ya que nació en Grecia, un famoso artista griego del final del Renacimiento, que trabajó mucho tiempo en Toledo y es considerado como un pintor español. Su pintura consistía principalmente de temas religiosos, pero también era muy exitoso en retratos. Un artista con fuerte influencias de otros grandes artistas como Tiziano, Tintoreto, Rafael y Miguel Angel. Sus primeros cuadros reflejan mucho la influencia de estos  italianos, pero después, en su madurez, desarrolló un estilo personal bien definido. Sus figuras eran extraordinariamente alargadas, muy delgadas, expresivas y un tanto fantasmales, además tenían iluminación propia. Los ambientes donde se desarrollaban sus escenas no eran muy definidos y utilizaba muchos colores fríos y eléctricos que no se encuentran en la naturaleza buscando los contrastes.
Se dice que El Greco no planeaba establecerse en Toledo ya que su objetivo era obtener el favor de Felipe II y hacer carrera en la corte. El Rey le dió dos importantes encargos pero lamentablemente ninguno de ellos le gustó, por lo que no le hizo más encargos. Faltándole el favor real, el Greco decidió igualmente quedarse  en Toledo, donde trabajó como un excelente pintor. Allí recibió muchos encargos e incluso llegó a crear un taller. En esta ciudad fue donde hizo explosión todo su genio y donde elaboró y materializó su muy personal concepción de la pintura.
Pasemos ahora al análisis de la obra.
Para presidir la capilla mortuoria del señor de Orgaz, don Andrés Núñez de Madrid, encargó el trabajo al Greco, el 15 de marzo de 1586 se firma el acuerdo entre el párroco y El Greco.
El trabajo se alargó hasta finales 1587. En una primera tasación el Greco evaluó su obra en 1200 ducados, cantidad que le pareció excesiva al párroco. Este se quejó y trató de renegociar la rebaja y dos nuevos pintores retasaron el enorme cuadro en 1700 ducados. Entonces el Consejo Arzobispal decidió retornar al primer precio. El Greco al final decidió que la parroquia le abonara los 1200 ducados.
La obra está dividida en dos partes, la parte inferior , donde representa la escena del milagro en sí, en el momento en que San Esteban y San Agustín, como recompensa a la vida de caridad de D. Gonzalo(el conde), bajan del cielo para poner en la tumba su cuerpo mientras los asistentes al entierro contemplan la escena, por las buenas obras del conde. Esta sección es más racional, oscuramente coloreada y las figuras con las proporciones correctas. En la parte superior, se encuentra un cielo abierto en gloria que recibe el alma del difunto. Esta sección está representada con remolinos de nubes y figuras etéreas y alargadas. Aquí podemos ver a la Virgen, San Juan Bautista y Jesucristo.

Ambas secciones del cuadro están unidas por la gente, así como las antorchas   altas y cruces cargadas por algunas de las personas.


La línea y el color: las dos partes del cuadro están claramente diferenciadas por un tratamiento del color muy diferente entre ambas, aunque todos son muy llamativos y vistosos; en la parte inferior del cuadro se encuentran los colores de: blanco, negro y dorado. Y en la parte superior hay grandes estridencias con colores como el gris, el blanco, el rojo y el azul.
El cuadro tiene mucha luz en el centro, y más sombras en los márgenes, esto ayuda a dar impresión y profundidad al cuadro.
Tiene una pincelada segura y rápida, sin detalles, haciendo esbozos más que dibujando, como se hace en el difuminado, es decir, que no hay una línea clara que separe a las figuras. Esta técnica el autor la consigue pasando la brocha seca sobre lo que acaba de pintar, para emborronarlo todo. La técnica se llama Sfumato.
La composición: El cuadro se compone con tres escenas que se presentan al mismo momento: el enterramiento, la acción de los santos, y la gloria.
Y también se compone de dos partes: la terrenal (inferior) y la celestial (superior). Predomina el color sobre el dibujo, y las características cromáticas entran dentro de la influencia de la pintura veneciana. La luz es irreal. No procede de un único foco, ni de las antorchas que llevan algunos de los personajes serán la fuente de luz. La luz recae sobre varias partes: los santos y el señor de Ordaz, las caras de los personajes que ven el entierro, o en la parte superior los personajes más importantes: Cristo, etc. Se crean así zonas más iluminadas y otras más oscuras (claroscuro), y entra dentro de la tendencia antinaturalista y artificiosa del manierismo, y de El Greco.
Destaca la composición romboidal de la escena superior, con Cristo, la Virgen, San Juan y el ángel, en los vértices del rombo. Pero el resto de los personajes aparecen abigarrados, sobre todo en algunas zonas más que en otras. En esta escena superior muchos personajes aparecen en escorzos (el ángel que lleva el alma), retorcidos (serpentinata), dinámicos, influencia de Miguel Ángel, con un canon más alargado que rompe con la proporción clásica y se adentra en el manierismo. En la zona inferior los personajes aparecen más estáticos, bien de frente o de perfil o de espaldas (característica manierista).
En la iglesia de Santo Tomé aseguran que la figura de Don Gonzalo Ruiz de Toledo, señor de Orgaz, enterrado en esta Iglesia, y su espíritu de caridad y fe, siguen estando presentes hoy día. Pues si hace casi siete siglos eran las rentas que encomendó en su testamento las que ayudaban a los más pobres de la ciudad, hoy día son los ingresos originados por la visita turística, los que sufragan innumerables obras de caridad entre los más necesitados. Don Gonzalo sigue haciendo el bien.

JEAN HONORÉ FRAGONARD

EL ROCOCÓ
El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma progresiva entre los años 1730 y 1760 aproximadamente.

El Rococó es definido como un arte individualista, antiformalista y cortesano. Se caracteriza por el gusto de los colores luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, la mitología, la representación de los cuerpos desnudos, el arte oriental y especialmente los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y las relaciones humanas, un estilo que busca reflejar lo que es agradable y refinado.
BIOGRAFÍA
Jean Honoré Fragonard nació en Grasse el 5 de abril de 1732 y seis años después se mudó a París, donde su familia hizo unas inversiones fallidas que les llevaron a una crisis económica, por lo que su padre decidió llevarle como escribano al despacho de un notario, aunque poco después Fragonard desveló su talento para el arte.
Jean-Honoré fue llevado ante el famoso pintor François Boucher, quien reconoció sus dotes y lo envió al taller de Chardin. Seis meses después volvió al taller de Boucher, donde adquirió el estilo de su maestro de tal forma que éste le confió la realización de réplicas de sus pinturas.

En 1752 Fragonard ganó un viaje a Roma que retrasó tres años, tiempo en el que estuvo estudiando en el taller de Charles-André van Loo.

Ya en 1756 fue a Italia en compañía de Hubert Robert, esta visita fue clave ya que durante su estancia en Roma pudo admirar los románticos jardines, con sus fuentes, templos y terrazas, donde observó los escenarios que posteriormente pintaría. Sobre su obra influyó también la florida suntuosidad de Giovanni Battista Tiepolo cuya obra tuvo oportunidad de estudiar en Venecia, antes de su regreso a París en 1761.

En 1765 su obra Coreso y Calírroe fue objeto de elogio por parte de Diderot y fue adquirida por el rey, quien la mandó reproducir.
En 1769 se casa con Marie-Anne Gérard y tiene dos hijos.
La Revolución francesa significó el final del antiguo régimen, y Fragonard, cercano a los máximos representantes del mismo, dejó París en 1793 y encontró refugio en la casa de su amigo Maubert en Grasse, que decoró con una serie de paneles decorativos conocidos como Roman d'amour de la jeunesse, originalmente pintados para el pabellón de música de Madame du Barry en Louveciennes.
Fragonard volvió a París a principios del siglo XIX, donde murió en 1806, prácticamente olvidado.


CONTEXTO HISTÓRICO DE SU ESTILO
Hasta 1765 Fragonard dudó sobre la elección de la temática central de sus obras, tenía cuadros mitológicos, religiosos, costumbristas, románticos y retratos, pero en ese momento, la demanda de patrones por parte del rey Luis XV que representasen escenas de amor en la corte dirigió los temas que el pintor adoptaría a partir de entonces. Uno de los aciertos de este artistas fue el de acercar la pintura de los grandes maestros barrocos a una clientela perteneciente a la burguesía y a la baja nobleza, a pesar de pintar también para el rey y la gente de palacio.
Las pinturas de Fragonard están caracterizadas por la alegre gama de colores que emplea en ellas y porque la mayoría de las escenas transcurren en parques y jardines, llenos de árboles y plantas que les dan un matiz paisajístico muy característico, aunque en el año 1769 pinta catorce retratos, que carecen de naturaleza y se caracterizan porque las figuras están hechas con líneas oblicuas y pintadas a base de anchas pinceladas con toques cromáticos aplicados en zigzag. Sus rostros presentan colores muy vivos, entre los que destacan el rojo y el oro.
Se interesó sobre todo por la pintura holandesa, debido a las gruesas pinceladas y el claroscuro ,y en  las obras de Rembrandt, utilizando sus efectos de luz y la fluidez de sus pinceladas, lo cual modificó su estilo a partir del año 1770.
Al igual que Tiepolo, Fragonard continúa con la antigua tradición de la pintura veneciana de la cual conserva los colores brillantes y el pincel nervioso.
Hacia 1777 Fragonard usa tonalidades más vivas y con toques rosas o nacarados que definen mejor los temas románticos, aunque como el resto de pintores franceses cambia su forma de pintar las escenas de amor, a las que ahora escenifica con más delicadeza.
En 1780 intentó pintar cuadros neoclásicos ya que el Rococó estaba en decadencia. Paralelamente, trabaja con temas de la vida rústica o de la infancia y adolescencia: una temática por la que se mostraba gran interés en esta época.

OBRAS PRINCIPALES

• La lectora
• El columpio
• Muchacha con perro 
• La gallina ciega
• El encuentro secreto
• El amante coronado
• Denis Diderot
• Retrato de François Henri d´Harcourt
• La carta de amor
• Las bañistas 
• El cerrojo
• El certamen musical
• El beso robado
• El pequeño parque
• El precio de un beso
• El cumpleaños de Venus 
• El precio de un beso
• Jerobam sacrificando a los ídolos
• Coreso y Calírroe
• La tormenta
• Marie-Madeleine Guimard
• Los amantes felices
• El juramento al amor
• Fuego a la pólvora

ANÁLISIS DE EL COLUMPIO

Esta obra es un óleo sobre lienzo de 80x65 centímetros.

La escena presenta un jardín idílico en el que una mujer joven se balancea en un columpio que es empujado por un hombre maduro, probablemente su marido, al que apenas se ve. La joven lanza un zapato al aire para que sea recogido por un joven, probablemente  su amante. Encima de este joven hay una estatua de Cupido que pide silencio.

El punto de  tensión o centro de interés es la joven cuyos colores cálidos resaltan sobre el fondo verde y azulado, su cara y su vestido son iluminados por la luz que atraviesa las ramas de los árboles.

En  la  composición se  pueden destacar varios elementos
-Una diagonal que  forma  la cuerda del columpio  divide el cuadro en dos partes : en una la escena del balanceo y en la otra lo que se encuentra detrás , el marido
-Por otra parte  están presentes los esquemas y líneas de fuerza curvos  como en  la joven desde su brazo hasta el zapato , en los perfiles de los árboles, las ramas,  y que son los que contribuyen al dinamismo.
-Todos los personajes se pueden encuadrar en un triangulo cuyo vértice es la cabeza de la mujer  y uno de los lados estaría formado por la diagonal hasta el joven amante.
     
En el tratamiento de la obra se aprecia una  diferencia entre el primer plano o primeros planos con importancia de la línea  y con una pincelada que se detiene en marcar los detalles de tallos, ramas, raíces, flores, estátuas, cuerda del columpio y el fondo vaporoso realizado con una pincelada larga y fluida.

-Color.   Los colores son suaves e incitan a la alegría y optimismo . Son colores tipo pastel como casi en toda pintura rococó y llaman nuestra atención  los colores cálidos como el rosa del vestido , el blanco de las enaguas y el rojo  que recubre el asiento del columpio  que quedan contrastados con el verde y amarillos de la flora y azul y plateados del cielo y nubes..
             
La luz dirigida parece  colarse entre las ramas para incidir sobre la protagonista, pero deja en la sombra o penumbra gran parte  de la escena con las que crea una complicidad para mirar sin ser visto.
   
El espacio o profundidad se logra mediante una perspectiva lineal , el jardín y los árboles se van estrechando y con la perspectiva aérea  mediante colores vaporosos , azulados y plateados.
       
-Ritmo. Toda la obra expresa movimiento y dinamismo.  Recoge el instante o momento de mayor elevación del  columpio. Un instante después el columpio empezaría a descender.


ANÁLISIS DE LA MUCHACHA LEYENDO

La Muchacha leyendo es una obra realizada en óleo sobre lienzo de 80x65 centímetros.

En esta obra se representa a una joven perteneciente a la burguesía sumida en una apacible lectura. La escena transmite al espectador calma y serenidad.

La chica aparece sentada y dispuesta de perfil mientras lee un pequeño libro que sujeta con la mano derecha. Está vestida con un vestido amarillo donde destacan los pomposos cuellos blancos. El pelo está recogido en un moño alto que sujeta con un lazo de color beige a juego con otros lazos del vestido. Su postura es delicada y la joven aparece ajena a la mirada del espectador, sumida en su lectura, ni siquiera aparta los ojos del libro que la ocupa.

La escena se compone a través de líneas verticales marcadas por la esquina de la pared y la disposición de la muchacha, mientras que el reposabrazos de su asiento marca una potente línea horizontal. La obra posee una gran gama cromática, en la que el vestido se contrapone con el fondo oscuro y plano de la pared.

JEAN ANTOINE WATTEAU

ÉPOCA
La vida de Jean-Antoine Watteau se desarrolló en su mayor parte durante la segunda mitad del siglo XVII, en el cual hubo una crisis económica,  sobre todo en el sur de Europa, ya que hubo una desviación hacia Ámsterdam del comercio de los metales preciosos, que eran la base de la oferta monetaria. Además, la sociedad del momento era en su mayor parte feudal, pero en ella se habían desarrollado matices capitalistas, esta descompensación, supuso un obstáculo a la continuidad de la expansión económica que caracterizó el siglo XVI, a finales del cual se frenó la expansión demográfica y su crecimiento fue muy lento hasta bien entrado el siglo XVIII, esto fue más grave en los países del sur de Europa, donde la producción agraria también disminuyó considerablemente. En cuanto a acontecimientos políticos, hubo rebeliones, como las de Portugal y Moscú, la fronda del parlamento y de los príncipes en Francia,  hubo revueltas como las de Nápoles, Sicilia y Gran Bretaña.

EL ROCOCÓ
El Rococó es un movimiento artístico nacido en Francia, que se desarrolla de forma progresiva entre los años 1730 y 1760 aproximadamente.

El Rococó es definido como un arte individualista, antiformalista y cortesano. Se caracteriza por el gusto de los colores luminosos, suaves y claros. Predominan las formas inspiradas en la naturaleza, la mitología, la representación de los cuerpos desnudos, el arte oriental y especialmente los temas galantes y amorosos. Es un arte básicamente mundano, sin influencias religiosas, que trata temas de la vida diaria y las relaciones humanas, un estilo que busca reflejar lo que es agradable y refinado.

BIOGRAFÍA 
Jean Antoine Watteau nació el 10 de octubre de 1684 en Valenciennes, ciudad flamenca que acababa de pasar a dominio francés. Era hijo de un artesano techador. 
Comenzó su aprendizaje a los once años con el pintor Jacques-Albert Guérin. A su muerte se trasladó a París, donde se unió a los pintores flamencos del barrio de Saint-Germain-des-Prés. Ingresó en el taller de Claude Gillot, gracias a cuya colaboración frecuentó los ambientes del teatro que le sirvieron como motivo de inspiración, así como la sociedad elegante. Fue también alumno de Claude Audran III. 
Desencantado por sus pobres progresos, en 1709 regresó a su ciudad natal, dedicándose a la realización de escenas de posadas y soldados, inspiradas en el barroco holandés y flamenco, especialmente de Teniers.

Dos años después regresó a París, y continuó su relación con el mundo teatral, representando a diversos personajes y obteniendo buenos ingresos. Se relacionó sobre todo con gentes de teatro, que le sirvieron de modelo para algunos de sus cuadros. 
En 1712 le nombraron agregado de la Academia de las Artes, a la que donó el Embarque para la isla de Citerea, su temática, las fêtes galantes, se consideró un nuevo género, que más tarde serían imitadas por otros pintores. 
En 1719 Watteau se trasladó a Londres para consultar con un médico sobre la enfermedad que padecía, pero regresó a París al año siguiente sin experimentar ninguna mejora. Murió de tuberculosis a los 37 años.

CONTEXTO HISTÓRICO DE SU ESTILO
Watteau es el representante más antiguo del estilo rococó. Realizó escenas galantes y costumbristas. Con él comienza un género nuevo: las fêtes galantes, que es un reflejo de la vida cortesana que busca artificialmente un contacto con la naturaleza.

Admiraba las obras renacentistas. En él se funden influencias flamencas y venecianas, a las que añadió un toque francés.

Sus cuadros están ambientados en jardines aristocráticos, llenos de personajes elegantes que muestran el ambiente social del rococó. Están vestidos ricamente, para mostrar la calidad de las telas satinadas. Los paisajes son sombríos, con técnicas que recuerdan a la pintura flamenca.


Watteau aplicaba los colores muy diluidos en capas muy finas, que dan lugar a numerosas transparencias. El barniz lo aplicaba transparente o ligeramente coloreado, y a veces entre capas de pintura, recurso propio de la época. Esta técnica complica actualmente la limpieza de los cuadros y puede explicar la mala conservación de muchos de ellos, bastante agrietados y oscurecidos. 
Murió prematuramente a causa de la tuberculosis, cuando sus temas galantes empezaban a alcanzar el éxito. Varios artistas siguieron empleando  la misma temática.

OBRAS PRINCIPALES

• El buscador de nidos.
• Capitulaciones de boda y baile campestre.
• La perspectiva
• Bajo un disfraz de Mezzetin
• Canción de amor 
• El indiferente 
• Peregrinación a la isla de Citera 
• El desliz
• Los placeres del baile

• Fiesta veneciana.
• La muestra de Gersaint
• Gilles
• Fiesta en un parque
• La danza
• El amor en el teatro italiano
• Lección de amor 

• 
  
• La gama del amor 
• Fiesta del amor

PEREGRINACIÓN A LA ISLA DE CITERA

Esta obra de 129 x 194 cm es un óleo sobre lienzo realizado en el año 1717. 

Es un cuadro del género de las fiestas galantes. 

La composición se lee de derecha a izquierda, desde la escultura de la derecha hacia la popa del barco, a través de la diagonal formada por varias parejas que ocupan el primer plano y se dirigen hacia una barca sobre la que dos pilotos se preparan para marchar.

Watteau estableció un cierto equilibrio dentro del cuadro, distribuyendo adecuadamente sus distintos elementos y compensando el desequilibrio creado por las líneas verticales de los árboles y el eje de la estatua. 

Watteau pintó con pinceladas rápidas y vibrantes, sin precisión en las líneas. Predominan los colores dorados y rosas, que están acompañados del verde o el azul. Mediante contrastes y graduaciones de luz representa los rayos del sol que señalan el final del día. 

El paisaje es ideal, con grandes árboles que dominan todo el segundo plano. El lado izquierdo está dominado por el azul del mar y del cielo y el rosado de las montañas lejanas. 

Las figuras son pequeñas, pero están minuciosamente tratadas, prestando especial atención a los efectos de luz sobre la ropa que visten. Hay en ellos elementos alusivos a una peregrinación: sombreros, cayados y capas de peregrinos.



CAPITULACIONES DE BODA Y BAILE CAMPESTRE

Esta obra de 47 x 55 cm es un óleo sobre lienzo realizado en el año 1711.

La pintura pertenece al género de las fiestas galantes.

El cuadro muestra una escena del contrato o capitulación matrimonial realizada en medio de un entorno campestre, esta acción tiene lugar casi en el centro del lienzo. Esta escena está rodeada  por varios grupos de personas bastante difuminadas que bailan al son de los instrumentos. Las diferentes escenas costumbristas aparecen envueltas en un denso bosque, que se sitúa a la izquierda para mostrarnos un cielo luminoso y en la parte superior izquierda  se aprecia la torre de una Iglesia. A los pies del hombre que está firmando el contrato, aparece un perro, símbolo de la fidelidad.

Por la vestimenta de los personajes se puede suponer que pertenecían a la burguesía bien posicionada económicamente. También lo indica la acción de la firma, costumbre de esa época que parece dar más importancia a los asuntos materiales que a la felicidad de la pareja.

Debido a la espesura y frondosidad de los árboles, predominan los tonos sombríos y oscuros en la representación, que solo se ve iluminada por diversos focos de luz, destacando el hueco que se abre a la izquierda.  

Dentro de la gama cromática, destacan los colores verdosos y dorados que funden la ropa de los asistentes a la boda con el resto del paisaje, para no que destaquen demasiado sobre la escena, dándole mayor importancia a los novios, que aparecen vestidos de blanco, destacando sobre el fondo marrón, colocado a sus espaldas. 

LA CULTURA EN EL BARROCO

LA CULTURA EN EL BARROCO

El Barroco es un periodo artístico, literario y cultural que nace en Italia como consecuencia de la crisis del siglo XVII en toda Europa. El Barroco supone un momento de retroceso, una época pesimista e ideológicamente conformista. España sufre una importante decadencia económica, social y política, y se enfrenta al declive de su imperio, debido a la independización de las colonias.

La cultura barroca nace de la conciencia colectiva de crisis y refleja el estado de ánimo de la sociedad y de los artistas, que se traduce en inquietud, amenaza e inestabilidad, esto se define como Horror vacui, que significa miedo al vacío. Esto puede apreciarse sobre todo en los temas en torno a los que giran las composiciones barrocas, ya sean literarias, o pictóricas. Estos temas principales son:

• El paso del tiempo.
• La fugacidad de la vida.
• La vanidad de las cosas terrenales.
• La vida como un sueño.
• La muerte.

Además, esta cultura es propia de las monarquías absolutistas europeas y de una sociedad estamental donde sobresalen los valores de la burguesía. Tanto el rey como la aristocracia muestran los símbolos de su poder a través del arte, la literatura y la música, lo que hace que estos campos vivan un momento de esplendor, conocido como Siglo de Oro. En Europa el Barroco es el medio de propaganda de la religión  católica y de la Iglesia hasta el punto de que es considerado el estilo propio de la Contrarreforma. Su objetivo era hacer lo contrario a la Reforma protestante, pero de manera más exagerada, por ejemplo, si el luteranismo prohibía el culto a la Virgen, la Iglesia la representaba de manera teatral para que emocionase al espectador y lo llamase a ser católico.

El Barroco es una época de avances científicos, con el descubrimiento de la circulación de la sangre, la invención del barómetro y la perfección del telescopio, además se formuló la teoría de la gravitación universal.

Debido a las nuevas teorías heliocéntricas y a la pérdida del sentimiento antropocéntrico propio del hombre renacentista, el hombre del Barroco perdió la fe en el orden, en la razón, en la armonía y en la proporción; la naturaleza, libre y misteriosa, pasa a ser una fuente de inspiración. Por tanto, la estética barroca se opone al Renacimiento, y se caracteriza por:

• El profundo pesimismo.
• La exageración y la deformación.
• El desequilibrio de las formas, ya que el arte barroco se basa en el dinamismo y los contrastes de ideas opuestas.
• El ingenio de los autores en el uso de la lengua y en el gusto por lo artificioso, lo teatral y el espectáculo.

Mientras la ciencia se encarga de la búsqueda de la verdad, el arte busca la expresión de lo imaginario. De ahí el gusto por los efectos ópticos, los juegos ilusorios y, sobre todo en la pintura, el gusto por dejar en un segundo plano el tema principal para buscar la extrañeza y la complejidad.

CONCLUSIÓN:

El Barroco, es una época que surge de la crisis pero que a la vez constituye una época de esplendor en el arte.